Lupita Garnica (Kalónico)

“Aunque el vestuario medieval en toda Europa constaba de los mismos elementos –comenzó relatando Moda-, los nombres y estilos de cada prenda variaron de acuerdo al lugar de origen. En cuanto al indumento masculino, consistió también en camisa y túnica corta, con la diferencia de una abertura al centro de la camisa para facilitar la cabalgata, y un botón que cerraba el cuello”. Vanidad y yo cruzamos una mirada y risilla que interpretó de inmediato Moda, lo que motivo su aclaración en tono complaciente: “Si, ya sé, entre los hombres no había la restricción del uso de botones, ellos sí se podían vestir y desnudar con la rapidez que quisieran sin que nadie les criticase…¿aclarado?”.

Me contó Moda con su hablar interminable que los hombres agregaban a su indumentaria unas largas calzas de nombre CUISSARDS, ajustadas a la cadera como nuestras modernas pantimedias, sobre las que se enrollaban bandas de colores. Durante mucho tiempo, en la Francia del medievo siguieron la moda del SURCOT o sobrecota, tanto para hombres como para mujeres. Se componía de túnica estrecha provista de mangas y cinturón. Las mujeres agregaban un manto atado al pecho con una cintilla.

En cualquier época han existido detractores de la moda que va gestándose, y eso –relataba Moda-, también sucedió en la Edad Media, cuando a toda costa trataron de imponer una nueva corriente: la de la minifalda. “Pero no creas que para las mujeres –intervino agitada Vanidad-, ¡no!, ellas no fueron portadoras de tal idea, sino los hombres, quienes me dejaron totalmente sorprendida, pues nunca los creí capaces de tal creatividad. Ellos cada vez pretendían ajustar más y más sus prendas, acortando las túnicas hasta convertirlas en auténticas minifaldas. Y te cuento lo que decían los moralistas, que los caballeros mostraban su deshonestidad en sus trajes, pues eran tan cortos que al inclinarse enseñaban las bragas y lo que había en ellas. Hacían mofa de que usaban prendas tan ceñidas que necesitaban ayuda para vestirse y parecía que los despellejaban al desnudarlos”. Terminó contando Vanidad.

Y como los inventos generalmente son producto de la necesidad, comentó Moda, los botones que hasta esa época sólo habían servido de adorno, tuvieron un uso más práctico y permanente: sirvieron para abrochar las ajustadas prendas de los hombres.

Me cuesta trabajo imaginar lo que padecían las mujeres de la Edad Media cuando debían coser sus vestidos al ponérselos y descoserlos al quitarlos. Según la versión de Moda, allá por el siglo XII de nuestra Era, tenían prohibido a las mujeres usar botones en sus ajustados vestidos porque la botonadura implicaba el hecho de poderse desnudar con rapidez, y tal actitud era considerada inmoral. Por esa restricción fue necesario coser y descoser diariamente su camisa llamada chainse después de puesta.

Vanidad intervino apresurada para decir: “La otra prenda que acompañaba a la camisa, y que también se cosía diariamente, consistía en una túnica larga muy amplia ajustada al talle con una especie de chaleco. Con respecto a la cosida y descosida de los vestidos, te aclaro que había jóvenes que si no necesitaban desnudarse por la noche, dormían con sus prendas puestas para evitar el trabajo. Pero eran pocas las mujeres que dormían solas. Algo que les aconsejé a aquellas damas para complementar su vestuario, fue el uso de unos cinturones y escarcelas o limosneras colgadas a ellos para que llevaran sus pertenencias. Lo que les gustó muchísimo. Las limosneras se hicieron tan famosas que las siguen usando por prácticas”. –Y ahí se detuvo relatando Vanidad.

Después de algunos comentarios jocosos en torno a las limosneras, Vanidad volvió a tomar la palabra: “A las doncellas les dije que trenzaran sus largos cabellos y los adornaran con coronas de flores naturales. A las casadas no las pude convencer de hacer lo mismo, por lo que continuaron cubriéndose con una cofia blanca.”

Moda, más seria, relató que la indumentaria común del pueblo consistió en un sayo o túnica a media pierna provista de capuchón. Las mujeres la llevaron larga. Las capillas cobraron fama entre las clases modestas del siglo XII. Se trataba de cortas capas provistas de capuchones. Otro adorno de la cabeza fue el tocado de tela blanca almidonada en forma de corona sujeta con el barboquejo.

Encontré en las capillas inspiración para crear un diseño moderno muy propio para entretiempo.

“A ver, tú que eres tan culta, dime, ¿quiénes fueron los mayas?” -preguntó Vanidad a Moda y ésta, sin prestar atención a la ironía de su pregunta, contestó: “Los mayas pertenecieron a una de las culturas más sobresalientes del Continente Americano. Su área comprendió el sureste de México, es decir, Yucatán, Campeche, Quintana Roo y parte de Tabasco y Chiapas, así como Guatemala, Belice y parte de Honduras y El Salvador. Entre los más conocidos vestigios de su avanzada civilización, se hallan Palenque, Chichen Itzá, Coba, Tulum, Uaxactun, Piedras Negras, Tikal, Zuculen, Ixinche, Qurigua y Copan Bonampak….”.

Vanidad interrumpió sin reparo para después no soltar la palabra, diciendo: “Está bien, está bien, ya demostraste que sí sabes, pero estoy segura que desconoces lo que sucedió cuando Colón tuvo su primer encuentro con los habitantes de las islas de la Bahía, frente a las costas de Honduras, allá por 1502, y lo voy a contar. Resulta que Colón se quedó pasmado cuando vio a un grupo maya que no sólo viajaba en canoas muy largas con pabellones al centro para proteger a pasajeros y cargas como granos, licores fermentados, textiles, cascabeles con valor monetario, hachas y granos de cacao, sino que también iban vestidos con capas de colores brillantes que cubrían la mayor parte de sus cuerpos”.

En un respiro de Vanidad, Moda siguió contando por su lado que los mayas poseían una gran sensibilidad artística. Añadió que sus ropajes fueron confeccionados con un alto grado de armonía y belleza, luciendo fajas, capas, turbantes pintados y brocados, tocados hechos con las brillantes y coloridas plumas del quetzal que eran sinónimo de magnificencia, esplendor y riqueza para los pueblos mesoamericanos. Las plumas de quetzal eran el ornato principal en la vestimenta de los gobernantes, equivaliendo a una joya.

“Los danzantes y músicos –continuó su relato Moda- portaban además orejeras y collares de jade, junto con máscaras talladas y penachos de plumas y flores. La indumentaria masculina maya constaba del EX, una banda de tela de algodón que enrollaban en la cintura dejando dos cabos sueltos. El XICUL era una especie de chaqueta de algodón sin mangas que adornaban con tejidos y plumas de vivos colores. El SUYEN o PATI consistía en una manta cuadrada pasada por debajo del brazo derecho y anudada bajo el izquierdo. Usaban los XANAB, sandalias de cuero de venado de diferentes estilos”.

Moda y Vanidad prometieron continuar con el relato de los mayas, pero en este intervalo me concentré para interpretar sus descripciones en los dibujos que presento.

Moda y Vanidad cumplieron su promesa de continuar con el tema de los mayas, y así empezó Moda: “Los mayas tuvieron en sus inicios una religión sencilla basada en los dioses de la naturaleza: Sol, Luna, Maíz y otros, pero al correr de los siglos multiplicaron sus deidades con personalidades de maldad y benevolencia. Los había de enfermedad, guerra, muerte, nacimiento, cacería, pesca y otros muchos. Uno de sus dioses más antiguos e importantes fue ITZAM NA (el brujo del agua), representado por una iguana de dos cabezas cuyo alargado cuerpo estaba pletórico de símbolos planetarios y celestes. Al mundo lo situaron precisamente sobre una gigantesca iguana. Otra de sus deidades fue KUKULKAN (serpiente emplumada, representación maya del Quetzalcóatl de los toltecas), A él se le atribuyó haber puesto nombre a los lugares, la invención de la escritura, del calendario y la agricultura”.

De acuerdo a los comentarios de Moda, la indumentaria maya fue una de las bases determinantes para que los europeos supieran que su encuentro con los mayas terminaría en experiencia altamente instructiva, pues no sólo sus pirámides les daban a conocer su avance en la ciencia de la astronomía, sino que sus ropajes también lo indicaban.

Las prendas ceremoniales eran tejidas con tramados de dibujos que describían al cosmos y a los seres sobrenaturales que, según sus creencias, hicieron florecer al mundo: el Santo Sapo, el Señor de la Tierra y el Dios del Maíz, entre otros. Los trajes representados en el arte maya ayudan a explicar la acción que determinaba cierta escena, así como su significado ceremonial y metafísico, por ejemplo, una sacerdotisa que lucía huipil decorado con sapos significaba que su ofrenda era para el Dios de la Lluvia. Y así, en el momento de plasmar en códices y esculturas ciertas escenas, aún los que no supieran leer, podían entender la idea de la representación”.

Moda detuvo su docto relato para permitir a Vanidad explicar cómo era el vestuario de las mujeres. Esta mencionó que el HUIPIL era una pieza de tela larga y ancha abierta por ambos lados; al PIC lo describió como una enagua angosta, y al sostén como una pieza de manta estrecha ligada bajo el sobaco, la cual sostenía el busto. También las mujeres calzaban las sandalias de cuero llamadas XANAB. En cuanto a los tocados, Vanidad dijo que se esmeró en hacerlos hermosos y diferentes, según el grado social de quien lo usara. El armazón generalmente iba de mimbre cubierto con plumas de diferentes colores. Las narigueras tenían para los mayas un encanto, así como las incrustaciones de jade, ámbar y obsidiana en los dientes. Tanto hombres como mujeres usaron pendientes y, como detalle de belleza, la deformación artificial craneal fue adoptada en toda el área maya.

La herencia que los mayas dejaron a sus descendientes, la vemos claramente plasmada en los bellísimos bordados que continúan haciendo las mujeres tejedoras del lugar, pero sobre todo en los Altos de Chiapas, donde todavía tejen huipiles con elaborados dibujos geométricos que describen tanto al cosmos maya, al señor de la Tierra o al Santo Sapo, como en la antigüedad hicieran sus ancestros.

Los huipiles que cubren las imágenes religiosas que veneran en las Iglesias, también son usados en calidad de modelos para continuar la tradición, una tradición que deja huella permanente hacia las próximas generaciones.

“Los chinos son considerados un pueblo amante de tradiciones y, como tal, su vestuario sufrió pocas variantes en el transcurso de los siglos. La holgura, las telas, los bordados y los colores se mantuvieron sin cambios por generaciones”. Así comenzó Moda su relato cuando Vanidad entró a la habitación luciendo una larga y vistosa corbata. Continuó afirmando que los chinos dieron una gran importancia al colorido como signo de sus jerarquías, y en esa escala, puntualizó que el violeta, el azul y el negro fueron usados por el pueblo en común. El amarillo limón sólo era permitido al emperador y sus príncipes, o a los ancianos mayores de ochenta años. El grisáceo y el verde predominaban en las clases medias y el encarnado entre los mandarines o familia imperial. Lucían el blanco en momentos de luto. Las mujeres usaban pantalones negros y azules, o blancos los varones.

Vanidad tomó la palabra para aclarar que las flores, los peces, las aves, dragones y paisajes bordados o estampados con que decoraban sus preciosas telas, fueron creación de ella. Moda la interrumpió para decir lo siguiente: “El vestuario de las mujeres chinas cubría de tal forma sus cuerpos que las hacía parecer obesas. Sin embargo, la riqueza artística de sus bordados lograba disimular ese aparente volumen. Las prendas elementales de aquella indumentaria fueron, en primer término, anchos pantalones plegados que ajustaban con una banda de seda a la cintura y a los tobillos con cintas, dejando ver sus diminutos pies. Luego se ponían el han schaol, camisa corta y abierta por delante. Sobre esa prenda usaban el haol, túnica hasta los pies con aberturas laterales, mangas largas y botonadura en el costado derecho. El makual se usó como atavío de cobertura, generalmente más corto que el haol. Y como el han schaol, el haol y el makual carecían de cuello, las damas chinas lucían largas corbatas que enrollaban en muy variadas y originales formas, como la que ahora muestra Vanidad”, terminó diciendo Moda.

La moda de las pañoletas, corbatas y pañuelos para cubrir o adornar el cuello se divulgó en todo el mundo: fue tal su influencia y utilidad, que se ha convertido en parte del vestuario femenino actual con los toques que cada mujer le imprime, motivada por Vanidad.

Vanidad comenzó este relato asegurando que ella no tuvo nada que ver con la moda aberrante que siguieron las chinas durante centurias, y para ello dio la siguiente explicación: “Había en las clases sociales altas de la sociedad china tres categorías para el uso del calzado: la primera correspondió a quienes tenían pies pequeñísimos de forma natural; la segunda, a quienes eran sometidas a la reducción para lograr que midieran de 5 a 7.5 cms. como máximo, y la tercera, a las que trataban de aparentar esa pequeñez a base de zapatos especiales. En esta última moda hallé cierta similitud con los tacones altos usados en el presente. Aquellas chinas empleaban un calzado llamado ‘pie de cierva’, consistente nada menos que en un tacón muy alto de puente con cierta inclinación hacia delante hasta lograr, por efecto óptico, empequeñecer los pies. Respecto a las damas que lucían pies de 5 o 7 cms., te diré que desde muy pequeñas eran sometidas al suplicio de mantener unos vendajes y hormas opresoras que impedían su crecimiento normal. Sin embargo, esas tremendas molestias tenían gran recompensa a lo largo de sus vidas, pues de todos era sabido que mujeres con pies tan pequeños no eran aptas para el trabajo, por lo que los hombres que las desposaran tenían que ser de muy buena posición económica. ¿Te das cuenta que yo no tuve injerencia en esa moda?”

“Otra costumbre extraña para el presente, en la sociedad china –intervino Moda-, es que tenían por descortés o de baja categoría a quien mostrara los pies o las manos desnudos. Por ello, los trajes del emperador y de los mandarines o príncipes tenían mangas tan largas que las cubrían por completo. Claro que tal regla tenía sus excepciones cuando se trataba de comer, dejando ver en esos casos sólo parte de los dedos.”

Vanidad aprovechó un respiro de Moda para tomar nuevamente la palabra: “Algo que me encantó de la moda china, y aclaro que me sigue gustando, es la esclavina, ese adorno muy característico de la aristocracia, lo mismo que el pectoral pu-fu, ya fuera bordado o pintado sobre la misma tela del traje. El pectoral me recuerda al tablión bizantino, también usado por altas jerarquías.” Y aquí aclaró Moda que Vanidad sí fue la responsable del uso de esos elementos decorativos.

De las profundidades de la tierra aflora el diamante y de las profundidades del mar emergen los materiales orgánicos que en el pasado hicieron la delicia de quienes los poseían. Se trata de las conchas, caracoles y corales.

Al igual que los diamantes, las conchas y caracoles fueron utilizados como monedas para transacciones comerciales en América, las conchas naturales de color rojo se convirtieron en las de mayor valor monetario, mientras que las cuentas hechas con barro sirvieron de primitivas calculadoras.

Sin embargo, la belleza y variedad de las conchas y caracoles fueron muy estimadas por el humano para su adorno personal. Las cuentas fabricadas con caracoles y conchas llegaron a ser el ornamento preferido de los pueblos precolombinos. Eran ensartadas y combinadas con pendientes y cuentas de otros materiales formando con ellas pectorales, collares, pulseras, anillos, tocados y brazaletes.

La manufactura de las cuentas en concha implica un laborioso trabajo, pues su belleza estriba principalmente en hacer perder las características morfológicas de la concha del molusco del cual proviene. Así, podemos admirar el collar de cuentas en forma de cráneos, el de cuentas de conchas y pendientes formando patos o ranas. El collar de pendientes con cruces combinadas con columelas (colmillos), nos da muestra de la creatividad por aquellos antiguos pobladores de Mesoamérica.

En el presente, conchas y caracoles han dejado de tener valor como adorno personal, aunque sí lo tienen en la manufactura artesanal de ornamentos diversos.

El coral, otro material orgánico, se desarrolla en arrecifes y atolones a una profundidad de 3 a 300 mts., siendo el de color rojo el más valioso. La mayor producción de corales se localiza en el Mediterráneo, Islas Canarias, Malasia y Japón. El de color negro se encuentra en el norte de Australia y en el Mar Rojo. El coral recién extraído del mar carece de brillantez, por lo que es necesario pulirlo para que adquiera su característico brillo. En manos de joyeros y artesanos, el coral es transformado en cuentas para hacer collares.

El coral también posee su magia: entre los indios Zuni y Navajos de Norte América los fetiches o talismanes de coral son muy apreciados.

Tierra y mar … carbono y calcio … puestos de acuerdo para satisfacer, a veces, la tan incontrolada vanidad del ser humano.

Cuando pedí a Moda que me dijera algo acerca de Japón, comenzó así: “Aquellos que conocen historias poco usuales, cuentan que dos acontecimientos fueron suficientes para que Japón acabara expulsando de sus tierras a todos los extranjeros y se aislara durante largo tiempo del resto del mundo. El primero fue haber aceptado a los predicadores budistas en el siglo VI, y el segundo a los misioneros que trataron de convertir a los japoneses al cristianismo, pretendiendo además enseñarles cómo gobernar su propio país. Fue apenas en el siglo XIX cuando mostraron a Occidente sus habilidades artísticas, comenzando con el grabado en madera de motivos populares. Su prolongada reclusión rompió con la influencia china del pasado, pero nunca olvidaron el gran amor por la naturaleza que sus vecinos supieron darles: paisajes, cascadas, árboles, nubes, niños… todo quedó plasmado en pinturas y dibujos. Y algo muy especial: los japoneses descubrieron el arte de combinar los bordados con dibujos pintados, recurriendo a las cosas simples que les rodeaban, como flores, mariposas, puentes, pagodas y el famoso Fujiyama”.

-¡Háblame del vestuario! -pedí a Moda, pero se adelantó Vanidad con su característica alegría: “¿En qué piensas cuando escuchas la palabra kimono? Como todos, pensaste en el vestido japonés femenino. Pues mal hecho, porque kimono significa “lo que se pone” y se aplica tanto para hombre como para mujer.

Te diré que, en sus orígenes, el kimono masculino consistía en una pieza de tela con una abertura al frente que permitía sólo introducir la cabeza. Luego agregaron mangas cortas, hasta terminar con el largo extremo que rozaba los pies. Tiempo después, el kimono se hizo abierto por delante, con el lado izquierdo cruzado sobre el derecho. Y respecto al kimono femenino, te contaré un secreto acerca de las enormes mangas que solían lucir las coquetas japonesas. Esas mangas sólo eran usadas por las mujeres jóvenes y solteras, pues al caminar daban la impresión de volar y estar libres de ataduras. Al casarse, tales mangas voluminosas eran cortadas. ¿Te imaginas cómo traerían los varones a las pobres mujeres? “. –Pues ‘cortitas’, contesté de inmediato.

“Déjense de chistes malos –siguió Moda- y escuchen lo siguiente para que sepan más acerca de este sofisticado vestuario: El obi fue el elemento que se agregó al kimono, consistente en una faja de unos treinta centímetros de ancho y varios metros de largo. Los hombres lo lucían menos ancho. Con el obi envolvían la cintura y el talle, haciendo que su figura se viera más armoniosa, pues así creaban la ilusión óptica de piernas más largas”.

Utilizo la idea de colocación del obi en mi diseño para lograr el mismo efecto de armonía que caracterizó a las japonesas.

“Las mujeres siempre han usado mensajes sublimados para denotar su estado civil o disposición hacia los galanteos de los varones. ¿Y sabes quien es la causante de ello?” –dijo esto Moda mirando directamente a Vanidad y ella, por supuesto, sintiéndose agredida pronta contestó: “Bueno, es cierto que influí un poco, pero todas las mujeres nacieron con un algo de coquetería y empeñadas en la conquista del sexo opuesto. Yo, sí les di la pauta para que los varones supieran con quien estaban hablando tan sólo al mirar la posición de los alfileres que adornaban sus peinados. A las solteras les dije que los lucieran en posición vertical. A las cortesanas les sugerí que formaran un abanico con ellos y a las casadas que los llevaran en forma horizontal”.

Moda me contó que el indumento masculino japonés tuvo diversidad de modelos, según el grado jerárquico de quienes los llevaran. Así, tenemos el vestuario simple basado sólo en una túnica ajustada por un cinto. Debajo se usaba alguna otra prenda interior y pantalón. Complementaban el atuendo con calcetines y zapatos de cuero. Este modesto atavío contrastaba por amplio margen con el de un alto dignatario, quien vestía hasta quince prendas de seda sobrepuestas, todas de diferentes colores y con dibujos armoniosos. Los pantalones eran muy anchos y largos, haciendo juego con las mangas de la túnica, de amplitud desmesurada.

A estas alturas, Vanidad intervino para decir: “El atractivo que los japoneses sentían por la seda se hizo evidente cuando, en una época en que se prohibió confeccionar prendas con esa hermosa tela, se les ocurrió usarla como forro en tejidos de algodón o ropa interior, para no ser descubiertos infringiendo la ley. Así nació la costumbre que ha perdurado hasta el presente, pues, aunque no usen forros de seda, los confeccionan con tela muy delgada semejante al valioso tejido”.

En casi todas las prendas de la antigüedad he descubierto algún elemento funcional, pero curiosamente en los ropajes japoneses no lo hallé: muchos vestidos sobrepuestos, largos extremos, calzado elevado, y hasta en los guerreros es notorio el exceso de vestidura poco práctica para su ya remota actividad. Sin embargo, todo el conjunto produce una imagen grandiosa que transporta la mente siglos atrás con historias repletas de samurais, geishas y sombras fugaces al caer la luz. Traté de unir todas esas líneas para diseñar los modelos que expongo.